KANDINSKY

De lo espiritual en el arte

De lo espiritual en el arte aparece en 1911, es el primer libro de Vasili Kandinsky (1866-1944), se trata de un libro que acaba desembocando en la práctica de la abstracción no figurativa, con él intenta despertar la capacidad de captar lo espiritual de las cosas materiales y abstractas, que los propios espectadores del arte se enfrenten a éste queriendo escuchar, aprender y disfrutando de lo que estan sintiendo al observar, esto es básico para el arte del futuro y con lo cual seremos capaces de experimentar infinidad de sentimientos y sensaciones.

Solo teniendo el alma abierta seremos capaces de experimentar infinidad de sentimientos y sensaciones con las que el aritista nos quiere deleitar, pero no solo los espectadores deben hacer un esfuerzo, los artistas también tienen la obligacion de expresar su mundo intrerior y enviar luz a las entrañas del alma humana.

Hablando de Kandinsky estamos hablando del promotor e impulsor del primer movimiento decisivo del arte abstracto y por lo tanto ocupando un lugar privilegiado en la historia del arte contemporáneo.

Kandinsky refiriendo a los espectadores del arte diferencia distintos tipos de personas agrupandolos por su grado de sabiduria, sabiendo que a mayor grado de sabiduria más fácil es entender el mensaje que artista está enviando al tener el alma más abierta, este grupo lo forman solamente una podos que son muchas veces inconprendidos por la masa, esta organización afirma que es indispensable para que la sociedad avance como lo ha ido haciendo a lo largo de su historia.

Sobre los artistas, los generadores del arte, opina que deben utilizar su sabiduria y destreza para componer con efectos de color, la composición, forma... con el fin de llegar a la profundidad del alma humana, y hacerle sentir en realidad lo que el propio artista esta creando.

Kandinsky defiende el camino hacia la abstracción, el piensa en dar más importancia a lo espiritual, lo sensitivo de la naturaleza, dado que toda ella tiene esa parte espiritual, en este sentido le da una una especial importancia al ser humano que es un priviliegiado en el campo de lo espiritual con respecto a la demás naturaleza.

Lo grande que pueda llegar a ser un artista se mide por la capacidad de penetrar en el interior de la humanidad en despertar en esta una explosión de sentimientos.

Se trata de un libro bastante útil, pienso especialmente para alumnos como nosotros pero también para todo aquel que se sienta interesado en general en el arte de este tiempo dado que intenta hacer que la relación entre el artista y el público sea efectiva y satisfactoria, que las ideas de los buenos artistas profundicen en el interior del ser humano y no solo en su tiempo sino para el resto de la historia.

Por Carla Díaz Polo.
Introduccion al color, 1º A
ces felipe II

LOS RITMOS COMPOSITIVOS

La sucesión acompasada de las formas que integran un movimiento sonoro o visual se llama
ritmo. En la expresión plástica los ritmos se agrupan:



• Respecto a la forma, en rectilíneos, quebrados, curvos y ondulados.
• Respecto a la disposición en el espacio, en continuos, alternos, discontinuos y crecientes.

Expresividad de los ritmos

• Los ritmos rectilíneos producen un efecto visualde seriedad y orden.
• Los ritmos quebrados se utilizan para expresar nerviosismo, dinamismo o agresividad.
• Los ritmos curvos potencian eL efecto de movimiento suave.
• Los ritmos ondulados aumentan el efecto de movimiento.
• Los ritmos continuos resultan monótonos.
• Los ritmos alternos crean una sensación de movimiento controlado.
• Los ritmos discontinuos se emplean para expresar libertad de movimientos.
• Los ritmos crecientes amplían el efecto visual de profundidad.

Textura, forma y color

Estos tres elementos, del que se valen todos los pintores, son imprescindibles para terminar de comprender la fuerza expresiva de la obra. Ninguno de ellos significa por sí solo, pero al utilizarlos dentro del contexto de una obra, la cargan de sentido.

Así, una composición llena de colores vivos y luminosos, nos connota alegría y vivacidad. Una pintura con colores ocres y apagados, que presenta pocos contrastes, puede transmitirnos tristeza y opresión.

La textura de la que se ha valido el artista puede producirnos distintas emociones. Ésta puede ser creada por efecto de colores, o directamente por el trazo del pincel. Un trazo grueso y furioso puede transmitirnos inquietud. Un trazo suave y fino nos transmitirá calma.

Cuando hablamos de forma como signo plástico, no nos referimos a la figura en sí, sino al modo en el que ésta ha sido organizada y la manera en que interactúa con las demás. Pueden estar en armonía o contrastar duramente. Pueden ser violentas o suaves, grandes o pequeñas, desdibujadas o firmes.

Varios autorretratos de Van Gogh (pintor holandés 1853-1890) están recargados de una fuerte expresividad, no tanto por los colores que emplea, o por el gesto de su rostro, sino por las formas convulsionadas y ondulantes con las que ha trazado el fondo. Esas ondulaciones, por sí solas, nada significarían. Pero situadas detrás del rostro de Van Gogh, le otorgan a la obra una enorme carga de movimiento y exaltación, que de algún modo nos habla de la interioridad del pintor.

TIPOS DE COMPOSICIONES

Horizontal
Cuando la imágen esta predominada por linea horizontales, estas expresan equilibrio y calma.

Vertical
Cuando en la imágen destacan las lineas verticales, que expresan acción, tensión y fuerza.

Diagonal
Cuando en la imágen predominan las lineas diagonales, que dan movimiento, originalidad y desequilibrio.

sección áurea

La composición áurea es un metodo de división ideal de un rectángulo para componer una imagen basándose en puntos que unen a los lados entre sí. Esta división es tomada como apoyo compositivo, en la mayor parte de las obras, por los grandes maestros de la pintura.

PRPORCIÓN ÁUREA

http://www.youtube.com/watch?v=OXOBrYfVCgw